Новости

В галерее Glubina (http://galleryglubina.ru/ ) открылась необычная выставка: «Нужна ли инструкция по сборке?».

В течение 8-го мая художники в галерее разбирали и собирали во что-то иное советскую мебель. Кто-то нашел мебель в бане или в своем сарае, кто-то купил на Avito. Каждый объект имеет свою историю и свою инструкцию по сборке. Пересборка, переосмысление советского наследия – важный процесс для каждого художника, который находится на постсоветском пространстве. Десять лет нас учили ненавидеть все советское, десять лет люди не знали, что любить, а что ненавидеть, потом десять лет любить.

Понять, принять, вспомнить, создать свое прочтение этого периода и его артефактов – важное и необходимое действие для мыслящих людей. Мой объект – трехминутное видео «Семейный портрет» из маминой банкетки. Спасибо куратору проекта Тато Мельниковой за замечательную идею и воплощение.

В выставке принимают участие резиденты галереи Glubina, а также такие известные художники как Арсений Жиляев и Константин Байдаков. Выставка работает до 31 мая 2023. Галерея Glubina, Москва, ул.Сергея Эйзенштейна, д.2, Москва.

О работе “Семейный портрет”

 

Работы и видео Елены Асеевой из проекта “Прометей -Προμηθεύς ” (2022) а также  объект “Мир -Кόσμος ”  принимают участие в выставке в РГБИ “Высказывание как послание”. Большую часть экспозиции составляют скульптурные произведения и инсталляции. Зрителю предлагается под другим углом посмотреть на теорию Дарвина, библейские тексты или литературные произведения о китайском философе Чжуан-цзы, мифологическом Прометее. Получить представление о взглядах современных художников на повседневные процессы или на общество XXI века. Поразмышлять над феноменом синестезии и о синтезе искусств в целом. Пластическое искусство, произведения которого в материальном смысле существуют в пространстве, всегда имело сакральное значение. Несмотря на глобальную цифровизацию, это значение актуально и сегодня.

Куратор: Анастасия Нехай.

Вернисаж состоится 13 марта 2023 в 18:00

Экспозиция будет открыта в Голубом зале РГБИ с 13 марта по 03 апреля 2023 года. Ждем вас! Б. Дмитровка, 8/1

Дорогие друзья!  У нас прекрасные новости!

Мы стали победителем в конкурсе Фонда Президентских Грантов с культурно-историческим проектом в области современного искусства «Кавказская Атлантида», посвященном трудным проблемам истории и их решению методами современного искусства и просвещения. Направление конкурса: сохранение исторической памяти.

Инициатор и заявитель проекта – школа «Айсиэль» (Геленджик). Основной партнер проекта – галерея современного искусства «Glubina» (Москва). Цель данного проекта – раскрытие культурно-исторического потенциала территории Геленджика и Западного Кавказа через выявление уникальных исторических черт методами современного искусства и меж-институционального сотрудничества. Проблема проекта: неосведомленность общества и обилие исторических мифов о древней истории Геленджика и истории Черкесии, неинформированность жителей и туристов Геленджика об истории автохтонного этноса побережья – черкесах (адыгах). В наше сложное время очень важно поднимать острые исторические вопросы и решать их методами искусства, что позволит заполнить белые пятна истории, а также укрепит духовно-нравственные связи в регионе.

Руководитель проекта: Елена Асеева (Геленджик). Кураторы проекта: Елена Асеева (Геленджик), Паоло Мизерини (Геленджик), Юлия Назар (Москва), Светлана Дёмина (Москва).

В проекте будут принимать участие художники -резиденты галереи «Glubina» (Москва), а также авторы, неравнодушные к теме проекта, чьи работы будут соответствовать концепции. Выставка состоится в Москве в галерее «Glubina» в июне 2023 года. Выставку будет предварять открытая лекционная программа он-лайн по истории региона и современному искусству.

В проекте принимают участие следующие партнеры: Национальный музей Республики Адыгея, «Музей Басманного района» (Москва), Управление культуры, искусства и кинематографии города-курорта Геленджик, Геленджикский историко-краеведческий музей, городское общество «Адыгэ Хасэ» (Геленджик), филиал КУБГУ (Геленджик), факультет современного искусства Высшей школы «Среда обучения» (Москва).

Научные консультанты проекта: Нальмес Зауровна Шовгенова, заместитель директора Национальный музея Республики Адыгея (г. Майкоп) Мадина Андреевна Хакуашева, доктор филологических наук, ведущий научный сотрудник КБИГИ (г. Нальчик) Радзиет Хаджимусовна Ачмиз, руководитель ЛИТО “Орфей“, секретарь ГО “Адыгэ Хасэ” (г. Геленджик), Пшибоков Адам Исмаилович, руководитель ГО “Адыгэ Хасэ” (г. Геленджик), Тлюстен Борис Гисович, краевед, член ГО “Адыгэ Хасэ” (г. Геленджик), Тамилла Анатольевна Небиеридзе, старший научный сотрудник отдела фондов Геленджикского историко краеведческого музея, хранитель атласа Ф. Дюбуа де Монпере, Королева Ирина Андреевна, археолог, главный хранитель Геленджикского историко-краеведческого музея, Анна Николаевна Берникова, музеевед, директор “Музея Басманного района” (Москва), эксперт конкурса грантов Мэра Москвы — 2018 и Конкурса грантов в социальной сфере «Москва — добрый город 2019» и другие.

Подробнее о проекте: http://www.icl-international.ru/newsite/atlantida/

https://xn--80afcdbalict6afooklqi5o.xn--p1ai/public/application/item?id=2db270de-051d-4390-bdc4-ca06c0b8b6ba

 

“В ХХI веке главным стало понимание мифа как особого состояния сознания, миф впервые стал подвижным, нестабильным, живым, стремящимся освободиться от истории” (М. Элиаде).

Выставка  в галерее “На Каширке” предлагает зрителю путешествие по музею мифов, сконструированных или интерпретированных художниками и перформерами. Данная выставка объединяет студентов и выпускников мастерских Арсения Жиляева, Ивана Новикова, Алины Гуткиной Высшей школы “Среда обучения”, а также резидентов галереи «Глубина», «22»  и некоторых других художественных объединений,  которые каждый в своем измерении рассуждают о структуре мифа и эпохе, создавшей его. 

Авторы выставки «Мифохранилище» говорят о том, что все мифы мира произошли от какого-то первого мифа, пра-языка, первоисточника. Художники  решили каждый своими средствами поразмышлять об историях мифов и мифологий, углубившись в мифы античные, египетские, финно-угорские, славянские, советские и изобретенные самими художниками.

Алия Коваленко. “Василий ныряет в глубину” (Х., м., 2022)

Долгое время искусство существовало неотделимо от ритуального действия как объект культа, изображая мифических героев или целую модель мифического миропорядка, как, например, гробницы или храмы. В первобытное время искусство было растворено в жизненных практиках. Каждый человек являлся художником, танцором, певцом, воплощая коллективное мировоззрение. Позднее искусство существовало, как неотъемлемая часть религиозного обряда. С течением времени искусство преодолевает мифологическое наследие, постепенно обретая индивидуальность в лице художника. Современное искусство использует темы и мотивы мифов прошлого. Но теперь художник имея достаточную свободу сознания, по-своему интерпретирует историю и мифологию или даже создаёт собственную.

Елена Асеева. “Прометей” (Праксиноскоп, 2022)

Искусству всех эпох было свойственно обращение к мифологии – столетия мифологические и библейские сюжеты были одной из основных сюжетных линией для художников, которые оттачивали мастерство изображая религиозные или пасторальные сцены. Двадцатый век привнес совершенно другой оттенок в природу искусства и мифология на десятилетия несколько ушла из художественной программы, оставшись только базисом для художественного образования. В двадцатом веке художники пытались дистанцироваться от возможности мифов, от власти мифов вообще — «метарассказов», как называет их Ж.-Ф.  Лиотар, связывая мифологические сюжеты с тоталитаризмом. Но двадцать первый век с новым упорством и иной глубиной начинает обращаться к мифологическому во всех гранях: от создания собственных мифологий до переосмысления мифов разных народов через сложившуюся текущую ситуацию, подтверждая то, что в современном искусстве очень сильна потребность в обретении мифа, как языка объясняющего суть вещей и связывающего мир логический с миром мистическим.

Олеся Фрич. “Расклад на будущее” (Дерево, инсталляция, 2022)

Выставка «Мифохранилище» в галерее На Каширке (Москва) предлагает зрителю посетить передвижной Музей Мифологии, а именно самую ценную его часть — хранилище. На стенах и полках размещены предметы открытых мифологических фондов в соответствии с хронологией вымышленной шкалы времени: от VIXXII ВC  до XXXIV AD. Художники обращаются к древним мифам античности и Египта, к финно-угорским и славянским мифам, рассуждают о мифологии советской и представляют свои персональные мифы. Авторы ставят под сомнение признанную хронологию и связанные с ней теории (Юлия Назар), истинность античных мифов в их принятой литературной интерпретации (Светлана Шиланкова, Павел Глазатов, Елена Асеева, Мария Дизель), а также мифы недавнего времени и современности (Надежда Лопардина, Алексей Древа). Авторы обращаются к мифологии Египта (Александра Гордеева), мифам славянским (Олеся Фрич, Виктория Предыбайло), фино-угорским (Алия Коваленко), и некоторым спорным теориям в теософии (Катя Ус).

Катя Ус. “София” (Доска, пигменты, золото, 2022)

Экспозиция в галерее “На Каширке” (ОВЗ Москвы)

В МУЗЕЕ МИФОЛОГИИ РАЗРЕШАЕТСЯ:

⁃ открывать

⁃ разворачивать

⁃ листать

⁃ переставлять

⁃ трогать

 

Экспозиция в галерее “На Каширке” (ОВЗ Москвы)

 

КУРАТОРЫ ВЫСТАВКИ:  Елена Асеева, Юлия Назар, Мария Дизель, Екатерина Павлова.

 

Ива Мельникова. “Миф о Кицунэ” (Сталь, флок, 2022)

 

УЧАСТНИКИ ВЫСТАВКИ:

Алия Коваленко (Екатеринбург)

Мария Дизель (Москва)

Ambivalence (Москва)

Олеся Фрич (Екатеринбург)

Алексей Древа (Нью-Йорк)

Александра Гордеева (Южно-Сахалинск)

Павел Глазатов (Санкт-Петербург)

Ива Мельникова(Санкт-Петербург)

Ая Мельникова (Санкт-Петербург)

Надежда Лопардина (Санкт-Петербург)

Александр Кузнецов (Москва)

Елена Асеева (Геленджик)

Юлия Назар (Москва)

Светлана Дёмина (Москва)

Светлана Шиланкова (Москва)

Катя Уc (Москва)

Виктория Предыбайло (Москва)

Ксения Кудасова (Москва)

---

 

Экспозиция в галерее “На Каширке” (ОВЗ Москвы)

Continue reading “ПРОЕКТ “МИФОХРАНИЛИЩЕ”: ПЕРЕОСМЫСЛЯЯ МИФОЛОГИЮ”

Творчество художника Галины Хайлу, с одной стороны, максимально незамысловатое, но когда начинаешь всматриваться, то невольно приходится разгадывать тонкие слои памяти, каких-то отпечатков прошлого, фрагментов, перед зрителем словно вырастает параллельный ему мир. Не зря художник своей основной идеей, выросшей из одноименной выставки, считает RE:OBSCURA, переосмысление камеры обскура, отсылающей к понятию перевернутого мира. Задача камеры обскура выявлять и укрупнять в разы мир, спрятанный в обыденности, она дает эффект иного, отраженного космоса, в который вглядеться в сегодняшней бегущей жизни практически невозможно. Как говорит сам художник, свойства камеры обскура сходны с тем, что автор пытается делать, фокусируя внимание как отблеск света, выявляя невидимое в обычном мире.

Автор работает акрилом на больших полотнах флизелина или черной нетканной материи, которую используют для укрывных целей агрономы, называемых, кому же по чистой «случайности» , геотекстиль. Данный материал выбран после многолетних экспериментов с разными поверхностями и техниками – автор даже использовала пакеты из-под сока, которые она разрезала и прикрепляла к холсту или флизелину серебристой стороной наружу. Материал выбран автором спонтанно, но именно эта случайность раскрывает многие скрытые мотивы художника. Эффект негатива, отражённости, переворачивания обыденной, окружающей реальности, приобретающей в этот момент переворачивания магические черты позволяет говорить о влиянии такого художника, как Марлен Дюма. Также в разные годы Галина вдохновлялась творчеством Ансельма Кифера, Френсиса Бэкона, определенное влияние на художника оказали художественные коммуны, а также авторы из Краснодара, в частности создатели центра современного искусства «Типография», группировка ЗИП. Современная философия в ее повышенном внимании к темным сторонам бытия, также словно имеет яркое воплощение в творчестве Галины Хайлу, как искусства, показывающего то, что не-на-свету, в тени (здесь можно привести в пример работы Тимати Мортона, в частности его «темную экологию» из «Стать экологичным»).

Художника интересуют детали повседневности, незаметная сиюминутная реальность. На работах автора мы наблюдаем фрагменты маленького уютного мира, построенного Галиной Хайлу и ее альтер-эго, соратником, другом, Сергеем Полупановым. Сергей является также героем многих произведений Галины Хайлу. Этот маленький частный мир трансформируется, перевернувшись в камере обскура, в огромные текстильные картины, граничащие между сказкой и безумием. Эффект негатива, своеобразная перевернутая отрешённость от действительности, останавливает зрителя, увлеченного эффектными деталями, канделябрами, подсвечниками, полосами разметки на дороге, лестничными пролетами, внося в серии работ необходимую отстранённость по Шкловскому.

Сама Галина вспоминает детский опыт, который наложил отпечаток на её творческую манеру. Художника в трехлетнем возрасте родители, которые работали в школе, во время выпускного взяли с собой. Маленькую девочку попросили проводить ученика школы домой, который вывел ее за ручку и, буквально, вбросил в темноту ночного стадиона. И художник помнит всю жизнь этот опыт исчезновения, из которого её извлекли заботливые бабушкины руки. Вот этот поиск реальности, ощутимых следов действительности, которые словно проявляются из темноты, стал ярким, узнаваемым почерком художника.

Объектом для художника становятся окружающие его вещи: дети, метро, улицы, перекрестки, люстры, мебель, игрушки. Перечисление героев работ Галины Хайлу могло бы стать своеобразной абсурдистской поэзией, ведь художник выхватывает фрагменты реальности, преобразует их в своеобразный негативный отпечаток и помещает в пространство искусства. Творчество Галины Хайлу, с одной стороны, глобально и монументально: работы большого формата, от 2-х метров, своей серийностью превращают выставочное пространство в тотальную инсталляцию. С другой стороны – очень наивно и трогательно, как и мир художника, детский и инфантильной, где художник часто смотрит на реальность глазами ребенка, снизу вверх. И именно детская реальность часто остается цветной среди монохромной действительности. Художник изображает детей погруженными в себя, изолированными от мира. Возможно, это то состояние, которое старается сохранить в себе и сам автор. В проекте «Parking» художник рассуждает о световой созидательной природе человека, путем осознания жизни, как парковки, в бесконечной дороге к Себе. В проекте «Если долго смотреть в темноту» автор словно приглашает зрителя пройтись по ночным пустынным залам музеев, невольно сразу возникает ассоциация с «Русским ковчегом» Андрея Сокурова.

 

Галина и Сергей совместно являют собой не только семейный дуэт, но и бесконечную творческую лабораторию. Встреча Галины и Сергея, который в тот момент занимался росписью храмов, вывела их жизнь в иное русло. Художники стали экспериментировать с материалом, красками, пространством. Как говорит Галина, «это был эксперимент над собой, начиная с самого первого дня знакомства. Мы открыли для себя 112 техник, что стало основой для дальнейшего развития».

В 2008 году Галина Хайлу стала лауреатом премии Кандинского, несколько лет Галина и Сергей жили в Москве, но непреодолимые обстоятельства вернули на родину, в Краснодар, где они работают по сей день.
Искусство Галины Хайлу несмотря на мрачность, обусловленную материалом, наполнено добротой, оно жизнеутверждающее, светлое, радостное, как огромный мир детства. В работах художника хочется раствориться и не выходить, у зрителя невольно возникает эффект детского праздника, то ли утренника, то ли театрального действа. И этот слой ассоциативной памяти, который способен пробудить автор, самое важное в ее творчестве, которое окутывает зрителя неповторимой атмосферой мрачной и доброй сказки.

Асеева Елена, кандидат искусствоведения 

_______

 

Об авторе:

Галина Хайлу родилась в 1958 году в городе Курганинске Краснодарского края. С отличием закончив и 8 класс, и детскую художественную школу, Галина поступила в Краснодарский архитектурно-строительный техникум. По окончании техникума Галина пошла по традиционному для многих советских художников пути: стала работать оформителем, параллельно занимаясь живописью. В 2000 году решила полностью посвятить себя живописи и выставочной деятельности. В 2008 году стала лауреатом Премии Кандинского. Принимала участие в многочисленных выставках и проектах в России и за рубежом. С 2008 г.- член ТСХР Работы находятся в фондах Краснодарского краевого музея изобразительного искусства им. Ф. А. Коваленко,в Филиале музея Востока г. Майкоп, в фондах ККВЗИИ, в частном музее современного искусства “ERARTA”, в частных коллекциях России, Австралии, Германии, Англии, США, Израиля.

 

«LA RIVA» (берег, ит.)

В данном проекте фотограф обращается к теме, давно ставшей одной из основных в его творчестве – берег курортного места в межсезонье, расстояние между разными свойствами, временами, восприятиями. Для Паоло Мизерини это один из любимых мотивов: выставка «Римини» (2004), проект «Seaside» (2018) и теперь совместный проект с Вадимом Белоусовым «Берег», «La Riva» по-итальянски.

Как однажды заметил критик Даниэле Радини Тэдешки в фотографиях Паоло Мизерини можно увидеть влияние атмосферы Феллини. И если мы вспомним знаменитый фильм Федерико Феллини «Амаркорд», снятый режиссером в курортном Римини, тот тоже начинается с осенних сцен. Оказаться в межсезонье в курортном городе, видеть тишину и совершенно другой свет, наблюдать следы иногда заброшенности, иногда безмятежности, почти пустоты. Ведь только курортным городам знаком вкус опустевшего города, где есть только чайки и следы человека.

Фотографии Паоло минималиcтичны, они почти лишены эмоций. В этом проекте, сделанном в соавторстве художником и фотографом одновременно, основное внимание уделяется форме и воспоминаниям, ассоциациям, которые эта форма провоцирует. С одной стороны перед автором ставится формальная композиционная задача поиска баланса линий и пятен, с другой – попытка передать вкус и сосредоточенную аристократичность приморского города, лишенного летней суеты.  В проекте есть и минималистичная простота, и философское настроение.

Это уже второй совместный проект Паоло Мизерини и Вадима Белоусова. Первый назывался «Человек Внутренний» (Uomo Introspettivo), выставки которого прошли в Москве и Краснодаре. Второй проект тоже обращается к скрытым, почти еле уловимым чувствам, параллелям, попытке выразить внутренний свет морского берега. Даже более – свет берега как понятия и как образа, встроенного в наше сознание.

Открыть снова и снова знакомые всем символы, прогуляться по курортному пляжу в межсезонье, обратиться к воспоминаниям и образам детства призывают авторы этой выставки.

 

Паоло Мизерини родился в Риме в 1963 году. Работает в жанрах художественной фотографии, репортажа. Многие годы преподавал в школе фотографии «Officine Fotografiche» (Рим). Участник более 40 выставок, в том числе как куратор. Работы в собраниях краевого художественного музея им. Коваленко, новороссийского музея изобразительных искусств и в частных собраниях Италии.

 

Асеева Елена, кандидат искусствоведения

 

В свое время известный американский художник Марк Ротко был повержен фресками из античных Помпеев, их локальностью и цветовым воздействием, и все его творчество после стало бесконечным опытом и попыткой добиться подобного эффекта. Аналитическую составляющую, вышедшую из опытов русского авангарда, как ни странно, подхватили за границей, и открытия Эль Лисицкого, Казимира Малевича были продолжены в направлении минимализма целой группой художников – от Пита Мондриана, Виктора Вазарелли в Европе до Барнета Ньюмана, Дональда Джада и Джеймса Таррела в Америке, сместивших акцент на усилении взаимодействия между зрителем, произведением и пространством. Минимализм как направление, активно представленный в Европе и Америке целой плеядой художников, получил совершенно незначительное развитие в России.  Именно имена художников-минималистов хотелось бы привести в качестве референсов, так как творчество многих из них оказало несомненное влияние на последний проект Вадима Белоусова.

Вадим Белоусов – художник, который очень вдумчиво и досконально исследует творческий процесс. Последние семь лет автор был глубоко погружен в штудии композиций древнерусской иконы, изучал геометрию, построение иконописных планов, пробовал словно войти в ту эпоху. Какая связь между древнерусской иконописью и американским минимализмом? Ответ на этот вопрос дает художник в своем последнем проекте, стараясь соединить композиционный перфекционизм иконы, где нет ни одного лишнего или случайного сантиметра цвета, лаконичность чистой цветовой плоскости, ничего не говорящих, кроме колористических пропорций, плоскостей, и детские воспоминания о море в идеально-построенном произведении.

“Берег” — это не просто пляж, или что-то, разграничивающее воду и сушу. Это символ, образ очень глубокий, почти религиозный, встреча мира земного и небесного, пересечение двух стихий. Это в интерпретации Вадима Белоусова – неземная тишина, где есть только индексы, значения образов, даже не сами образы. Это чувство нереальной тишины, покоя и проникновения в другое измерение пытается передать художник. «Песок», «Горизонт дня», «Розовое настроение», «Желто-фиолетовый песок», «Пасмурный день», «Синий ноктюрн» – названия произведений раскрывают замысел художника, который и прост, и сложен одновременно: показать настроение морского берега в отношениях пропорций и цвета.

В экспозиции также представлен раковина аммоидеи (аммонит), палеонтологическая находка из коллекции “Старого парка”. Раковины аммонитов были своеобразными мавзолеями, сохранившими остатки этих животных для наших современников. Раковина — это еще и самый древний образ золотого сечения, бесконечно повторяющейся спирали, которая воспроизводит гармонию Фибоначчи, соединяя архаичные времена и будущее.

Образ берега как водораздела реальностей и соединения времен, стихий очень тихо, гармонично и проникновенно звучит в этом проекте, и подчеркивает его тонкая синяя линия. Вадим Белоусов снова перешагивает над своими предыдущими темами и обращается к мотиву морского берега, который был очень активно представлен в его коллажах и работах с середины 90-х годов, но делает это как всегда виртуозно, вдумчиво и просто. Здесь снова мы видим мастерство художника, смело работающего с пространством и использующего воздух зала как еще один дополнительный холст или арт-объект.

О художнике:

Вадим Белоусов родился в 1948 году. Работы находятся в: Государственный Русский Музей, галерее «Русская галерея на Воздвиженке» (Москва), галерее «Якубская» (Прага), в музее им. Коваленко (Краснодар), Центре современного русского искусства (коллекция А. Глезера, США), культурном центре «Старый Парк» (Геленджик, Кабардинка), и в многочисленных частных коллекциях.

Выставка работает в Доме искусств культурный центр «Старый парк», Кабардинка.

 Асеева Елена, кандидат искусствоведения

 

Казимир Малевич добавочным элементом супрематизма считал вид на планету Земля если не из космоса, то из воздушного пространства, доступного самолетам. Сам Малевич не мог видеть планету с этой высоты, ведь тогда, в начале 20-го века, это было лишь  мечтой. Но он  проецирует свою точку видения  в другое измерение, и из этой позиции транслирует нам увиденное.

Арсений Жиляев в своем проекте становится на похожую позицию. В попытке продолжить линию, заложенную русским авангардом и прерванную по известным всем причинам, он противопоставляет историю искусства классическую, “конвенциональную”, состоящую из смен стилей, но тем не менее привязанную к  репрезентативности – схеме авангардной, которая была изначально попыткой изменения  самого человека.

Проект Арсения Жиляева похож на музыкальную  партитуру, рассматривать его в отдельности, работу за работой,  невозможно. В чем-то он напоминает театральные партитуры Соломона Некритина,   в нем,  как в музыкальном произведении, есть длинные паузы, есть многоголосие, есть вакуум.

Казимир Малевич в “Супрематизме” пишет: “Приветствую вас, художники, за вашу безъязыкость”, дополняет : “обезвесить все – цель музыки. Для живописца природа тоже масса материи цвета”, и заключает-  “Человек – это то, что должно быть преодолено”.  В произведении Арсения Жиляева мы видим четкую связь с наследием  русского авангарда в его стремлении в воздух, в иные измерения, прочь от оков действительности.

Проектирование музея – произведения, которое пытается восстановить основные составляющие “исчезнувшего”  по легенде художника искусства раскрывает  коды  нашего эстетического восприятия.  Залы, где есть базовые  алгоритмы искусства средневековья, классицизма. модернизма сменяются текстом-линией слов искусственного интеллекта  и позволяют почувствовать человеку, “венцу  природы”, животный страх.

 

Дионисий Ареопагит пишет, что мы “пользуемся доступными нам символами, а от них по мере сил устремляемся к простой и соединенной истине умственных созерцаний… после прекращаем умственную деятельность  и  достигаем сверхсущественного света, в котором все пределы всех разумов”.  В произведении “Будни распознавателя образов” Арсения Жиляева есть тот отрыв от реальности в некое другое мета-пространство, которого так не хватает сейчас в действительности, и ,в современном искусстве,  в частности. И это стремление связывает эту работу Арсения Жиляева  как с опытами первого русского авангарда, так и философией Николая Федорова, а через них со всей духовной традицией русского искусства, и даже больше : ведь палиндром SATOR AREPO TENET OPERA ROTAS впервые появляется в пределах ближневосточных церквей в эпоху раннего христианства.

Слово “образ”, присутствующий в названии проекта является тоже некоторым ключом, который старается расшифровать бортовой компьютер корабля Tenet, а вместе с ним и художник.  От микросхем до пространства света, которым наполнены залы выставки, в которых соединяется вся история образности . “Истинная религия одна – это культ всех отцов  как одного отца” (Н. Федоров).  Глубина, свет и музыкальность  –  вот основные контрапункты этого проекта, который развивается  вне времени  в одновременном  сочетании нескольких мелодических линий.

_____________________

Арсений Александрович Жиляев (род. 26 июня 1984, Воронеж) — российский художник, куратор, теоретик современного искусства. Родился 26 июня 1984 года в Воронеже. В 2006 году окончил факультет философии и психологии Воронежского государственного университета. С 2006 по 2007 год учился в Московском институте проблем современного искусства. В 2010 окончил Школу Изящных Искусств «Валанд» в городе Гетеборг, Швеция. Лауреат VI Ежегодной Всероссийской премии в области современного искусства «Инновация» 2010 в номинации «Новая генерация». Лауреат российской профессиональной премии в области современного искусства «Соратник» 2010 и 2012.

 

 

 

С 23 июня 2021 в Геленджикском историко-краеведческом музее работает выставка Бориса Смотрова “Путь к авангарду” из коллекции Александра Воронина (г. Москва). Куратор выставки – Владимир Назанский, искусствовед, куратор программы “Россия в Эрарте” (Санкт-Петербург).

Особое внимание нужно обратить на  интересном использовании художником  традиций древнерусский иконописи в своем творчестве. Большинство произведений художника имеют строго центральную композицию, характерную для символизма иконы. Использование обратной перспективы, чистых локальных цветов,  символизма цвета роднит произведения автора с традициями древнерусского искусства.  В работе “Праздничная береза” мы видим характерный для иконописи элемент – это многослойный нимб, свечение или мандорла.  Как правила мандрола изображается на иконах как знак иного , небесного  измерения. Перед нами береза , возвышающаяся над землей, в многослойном свечении каких-то потусторонних сфер. Береза – один из часто повторяющихся мотивов в творчестве Бориса Смотрова.

Борис Смотров. Праздничная береза (Февраль). 2012.

Отдельным блоком в творчестве художника являются  его абстракции. Хотя для Бориса Смотрова это не абстрактные формы, а  символы крестьянства – забор, пашня, поле, окно.  Ни одна из его абстрактных работ не является полностью нефигуративной. Художник оперирует энергией цвета, простой ритмичной формой, которой никто не мешает. Энергия космоса и земли встречается в работах художника, конструируя сжатый образ.

 

Борис Смотров. Русское поле. 2017

” Надо на чём-то стоять, нельзя на песке стоять, когда из-под тебя всё летит. Я совместил авангард, иконопись и  крестьянскую культуру, всё это видно по картинам. Если очертить художнику горизонт, то идут потоки энергетические: из земли идут, из космоса идут. Я вообще пятками чувствую это, головой, оно всё переваривается у меня внутри и потом получается нечто, то, что получается! ” (Борис Смотров  о своем творчестве)

Борис Смотров. Земля радостная. 2015

Художественный язык символов и знаков, которыми оперирует  абстрактное искусство, непосредственным образом отсылает к  логике  и воображению человеческого сознания, позволяющим  не только творчески воспринимать произведение, но и , отталкиваясь от подобной модели, импровизировать каждый раз иной мир  внутри себя . Иконопись и средневековый символизм были  предтечей современного абстрактного искусства как метод, позволяющий искусству быть не только проводником прекрасного, но и способом “философствования  в красках”, подражая  таким образом  внутренней форме или идее. Плотин: “… образ предмета в душе зрителя зависит от зрительной “установки”: смотрит ли зритель обычным “телесным зрением”(opsis ommaton) или же “внутренним взором”(on blepei)”.

«Соединение в душе художника мира видимого, реального и условного, неосязаемого, уходящего вглубь тысячелетий, заложенного природой на генетическом уровне, есть форма моего существования в живописи. Солнце, Свет, Жизнь, Цвет — суть моего бытия и творчества». (Борис Смотров  о своем творчестве)

Борис Смотров. Русская береза. 2009

“Русская береза” – это одно из последних произведений художника, который больше не рисует. Это произведение – завещание. Произведение –  шифр. Строго симметричная композиция,  строгая символика цвета. В центре – три диагонально размещенных квадрата основных цветов, через которые можно получить все остальные: желтый, красный, синий.  Строго по центру холста размещен красный – киноварь. Самый ядовитый пигмент в иконописи и самый незаменимый – ртуть. Береза затмила собой все небо. Эту березу невозможно спутать ни с чем иным. Эта береза – знак одновременно земной и космический, потому что внутри нее весь калейдоскоп русского крестьянства, который через лоскутное одеяло заборов, пашен, крыш и полей зашифровал художник. В этом дереве – вся Россия.

В основе творчества Бориса Смотрова лежит  философия русского космизма, где художник создает небесный мир несуществующих жителей прошлого. Воскрешение отцов через искусство  лежит в основе философии Николая Федорова, чье наследие только сейчас начинают переосмыслять в нашей стране.  “Всемирный музей” философа Николая Федорова – это попытка передать всеми возможными методами память человечества о месте и времени будущим поколениям, так как у нас огромные потери памяти о наследии. Наследии  нации, культуры, наследии исторических свершений.

Мир Бориса Смотрова – это  лишь видимость ярмарки и веселья. Он необычайно трагичен. Яркими, сочными красками он передает свет дома, крестьянства, сказочной Вселенной, которой больше не существует. Творчество Бориса Смотрова – это наша генетическая память, и возможно по этим эмоциональным формулам живописи художника  когда-то будет восстановлен потерянный мир.

______

О художнике:

Смотров Борис Юрьевич (род.1946) Советский и российский художник-плакатист, живописец. Член Союза художников СССР (1980).

Основные выставки: 1970г. – Казань. Живопись отмечена дипломом на всероссийской, выставке студентов художественных училищ. 1980г. – Париж. Выставка молодых художников Москвы в Культурном центре ЮНЕСКО. 1989г. – Москва, ул. Беговая, 7/9. Персональная выставка. 1991г. – Москва. Манеж. АРТ МИФ. 1996г. – Москва. ЦДХ. Выставка-конкурс «Золотая кисть 96». Гран-При. 1997г. – Москва. ИКЦ. Красные палаты. Персональная выставка. 1997г. – Российская Академия Художеств. Государственная Третьяковская Галерея. «Гармония контрастов» Русское искусство второй половины ХХ века. 1997г. – Москва. ЦДХ. Художественная выставка «Санкт-Петербург — Москва». 1999г. – Москва. Манеж. Всероссийская художественная выставка-конкурс. 2001г. – Москва. Малый манеж. Выставка-конкурс «Золотая кисть 2001». 2002г. – Москва отель Марко поло. «LES OREADES» Gallery. Персональная выставка. 2002г. – Москва “Галерея Зураба Церетелли”. Выставка современных художников. 2002г. – Москва. Манеж. Юбилейная художественная выставка «70 лет МОСХ». 2004г. – Москва. ЦДХ. Всероссийская художественная выставка «Россия». 2004г. – США Нью-Йорк музей Современного русского искусства. Выставка «Незнакомая Россия 6». 2004г. – Москва. ЦДХ. «Живопись Бориса Смотрова 30 лет творческой деятельности». Персональная выставка. 2004г. – Москва. ЦДХ. Всероссийская выставка «Победа». 2006г. – Москва. ЦДХ. Персональная юбилейная выставка. 2006г. – Москва. Кузнецкий мост 11. Выставка «75 лет МОСХа». 2011г. – Москва. ЦДХ. Всероссийская выставка «Россия 11». 2011г. – Москва. Галерея «Совком». Персональная ретроспективная выставка. 1996 – 2012 гг. Москва. Международная выставка-конкурс «Золотая кисть 96». Гран-при 1996. 2012г. – Москва, ЦДХ. Юбилейная выставка «80 лет МСХ». 2013г. – Москва. Галерея «Д.В.А». 2013г. – Сеул. «Московская школа живописи». Музей г-на Хонг. 2013г. – Харбин. 24-я Международная ярмарка КНР. Павильон русского искусства. 2014г. – Москва. Галерея D.E.V.E. Персональная выставка. 2015г. – Московский Международный Художественный салон ЦДХ 2015. Люди и мир. 2016г. – Москва ЦДХ. «LES OREADES» Gallery. Групповая выставка. 2017г. – Вена. «LES OREADES» Gallery. “UNBEKANNTES RUSSLAND”. 2017г. – Москва. ЦДХ. «LES OREADES» Gallery. Проект «Мастера современности». 2017г. – «LES OREADES» Gallery. Отель Марко Поло. Персональная выставка.

 

Елена Асеева, кандидат искусствоведения, директор Геленджикского историко-краеведческого музея.