Проект «Кавказская Атлантида» – три выставки в области современного искусства, посвященные истории Черкесии.

Проект «Кавказская Атлантида» – три выставки в области современного искусства, посвященные истории Черкесии. При поддержке Фонда Президентских Грантов.

Галерея GLUBINA:

РЕКА ДОГУАБ. Выставка Елены Асеевой, куратор Светлана Дёмина

Даты выставки: 15 июня – 27 июня, 2023

Адрес: Москва, 1-й Сельскохозяйственный проезд, д. 3

Галерея GLUBINA:

Кавказская Атлантида – ФОТОГРАФИЯ, ЖИВОПИСЬ, ВИДЕО, ОБЪЕКТЫ.

Кураторы: Светлана Дёмина, Елена Асеева, Паоло Мизерини.

Даты выставки: 1 июля– 30 июля, 2023

Адрес: Москва, 1-й Сельскохозяйственный проезд, д. 3

Галерея ХОДЫНКА (Объединенные Выставочные Залы Москвы)

Кавказская Атлантида – SCIENCE ART

Кураторы: Елена Ковылина, Юлия Назар.

Даты выставки: 30 июня – 30 июля, 2023

Адрес:, Москва, ул. Ирины Левченко, 2

Название проекта “Кавказская Атлантида” заимствовано из одноименной книги писателя и историка Якова Гордина, который называет Черкесию Атлантидой, ушедшей под воды истории. История Кавказской войны и Черкесии, занимавшей до окончания Кавказской войны территорию от Нальчика до Анапы и Сочи, до сих пор для нас Терра Инкогнита.

Художники обращаются к широкому корпусу исследований по постколониальной теории (Николай Эппле, Эдвард Саид, Гаятри Спивак), а также к теоретикам и практикам спекулятивного реализма, занимающимся художественными исследованиями (Рэй Брасье, Клэр Бишоп, Марк Годфри, Арсений Жиляев).

В течение нескольких месяцев участники слушали лекции по истории Черкесии, адыгов (черкесов), современному искусству и создавали свои проекты. Лекции прочитали научные сотрудники Геленджикского историко-краеведческого музея, Национального музея Республики Адыгея, члены Геленджикского и краевого отделений Адыгэ Хасэ, переводчики, писатели, художники-исследователи.

Для проекта “Кавказская Атлантида” музеем Басманного района создана Гугл-карта по мотивам знаменитого путешествия по Кавказу Фредерика Дюбуа де Монпере, а также AR объекты – копии экспонатов Геленджикского музея из археологической коллекции адыгов. Результаты исследовательской и художественной работы можно будет увидеть на выставках

В выставках принимают участие 34 художника из разных регионов России и даже мира: Юлия Назар, Светлана Дёмина, Елизавета Кудрявцева, Елена Асеева, Виктория Предыбайло, Катя Ус(ольцева), Анастасия Марковская , Елизавета Кудрявцева, Олеся Фрич , BUSIE (Ксения Кудасова, Лиана Фролова), Вильгений Мельников, Ольга Шершнёва, Паоло Мизерини, Ольга Суворова, Татьяна и Даниэл Литовы , Таня Баринова, Ольга Головешкина, Анастасия Редреева, Анастасия Бунакова, Валерия Левшина, Кира Шилина, Зифа Тулумбаева, Лео (Алексей Королев), Олег Назаров-Бруни, Татьяна Паксютова и Творческое объединение БОЛЬШАЯ ГАЛЕРЕЯ.

Руководитель проекта – Елена Асеева.

Сайт проекта: www.caucasusmorpheus.org

НУЖНА ЛИ ИНСТРУКЦИЯ ПО СБОРКЕ?

В галерее Glubina (http://galleryglubina.ru/ ) открылась необычная выставка: «Нужна ли инструкция по сборке?».

В течение 8-го мая художники в галерее разбирали и собирали во что-то иное советскую мебель. Кто-то нашел мебель в бане или в своем сарае, кто-то купил на Avito. Каждый объект имеет свою историю и свою инструкцию по сборке. Пересборка, переосмысление советского наследия – важный процесс для каждого художника, который находится на постсоветском пространстве. Десять лет нас учили ненавидеть все советское, десять лет люди не знали, что любить, а что ненавидеть, потом десять лет любить.

Понять, принять, вспомнить, создать свое прочтение этого периода и его артефактов – важное и необходимое действие для мыслящих людей. Мой объект – трехминутное видео «Семейный портрет» из маминой банкетки. Спасибо куратору проекта Тато Мельниковой за замечательную идею и воплощение.

В выставке принимают участие резиденты галереи Glubina, а также такие известные художники как Арсений Жиляев и Константин Байдаков. Выставка работает до 31 мая 2023. Галерея Glubina, Москва, ул.Сергея Эйзенштейна, д.2, Москва.

О работе “Семейный портрет”

 

СЕРИЯ СТАТЕЙ ДЛЯ ПРОЕКТА “КАВКАЗСКАЯ АТЛАНТИАДА”: ХРИСТИАНСКАЯ ЧЕРКЕСИЯ ( III в.н.э – XVI в.н.э.).

Данные статьи являются результатом подготовки к лекции Елены Асеевой в рамках проекта “Кавказская Атлантида” который посвещен истории Черкесии, скрытой истории Кавказа, альтернативной истории.

Лекция https://youtu.be/s51PUMPKawY

 

ХРИСТИАНСКАЯ ЧЕРКЕСИЯ: ЗИХИЯ И НИКОПСИЯ ( III в.н.э – XVI в.н.э.). Часть 1 

ХРИСТИАНСКАЯ ЧЕРКЕСИЯ: ЗИХИЯ И НИКОПСИЯ ( III в.н.э – XVI в.н.э.). Часть 2

 

ХРИСТИАНСКАЯ ЧЕРКЕСИЯ: ЗИХИЯ И НИКОПСИЯ ( III в.н.э – XVI в.н.э.). Часть 3

ХРИСТИАНСКАЯ ЧЕРКЕСИЯ: ЗИХИЯ И НИКОПСИЯ ( III в.н.э – XVI в.н.э.). Часть 4

ХРИСТИАНСКАЯ ЧЕРКЕСИЯ: ЗИХИЯ И НИКОПСИЯ ( III в.н.э – XVI в.н.э.). Часть 5

Выставка “Высказывание как послание” в РГБИ

Работы и видео Елены Асеевой из проекта “Прометей -Προμηθεύς ” (2022) а также  объект “Мир -Кόσμος ”  принимают участие в выставке в РГБИ “Высказывание как послание”. Большую часть экспозиции составляют скульптурные произведения и инсталляции. Зрителю предлагается под другим углом посмотреть на теорию Дарвина, библейские тексты или литературные произведения о китайском философе Чжуан-цзы, мифологическом Прометее. Получить представление о взглядах современных художников на повседневные процессы или на общество XXI века. Поразмышлять над феноменом синестезии и о синтезе искусств в целом. Пластическое искусство, произведения которого в материальном смысле существуют в пространстве, всегда имело сакральное значение. Несмотря на глобальную цифровизацию, это значение актуально и сегодня.

Куратор: Анастасия Нехай.

Вернисаж состоится 13 марта 2023 в 18:00

Экспозиция будет открыта в Голубом зале РГБИ с 13 марта по 03 апреля 2023 года. Ждем вас! Б. Дмитровка, 8/1

“КАВКАЗСКАЯ АТЛАНТИДА” – ПОБЕДИТЕЛЬ КОНКУРСА ПРЕЗИДЕНТСКИХ ГРАНТОВ

Дорогие друзья!  У нас прекрасные новости!

Мы стали победителем в конкурсе Фонда Президентских Грантов с культурно-историческим проектом в области современного искусства «Кавказская Атлантида», посвященном трудным проблемам истории и их решению методами современного искусства и просвещения. Направление конкурса: сохранение исторической памяти.

Инициатор и заявитель проекта – школа «Айсиэль» (Геленджик). Основной партнер проекта – галерея современного искусства «Glubina» (Москва). Цель данного проекта – раскрытие культурно-исторического потенциала территории Геленджика и Западного Кавказа через выявление уникальных исторических черт методами современного искусства и меж-институционального сотрудничества. Проблема проекта: неосведомленность общества и обилие исторических мифов о древней истории Геленджика и истории Черкесии, неинформированность жителей и туристов Геленджика об истории автохтонного этноса побережья – черкесах (адыгах). В наше сложное время очень важно поднимать острые исторические вопросы и решать их методами искусства, что позволит заполнить белые пятна истории, а также укрепит духовно-нравственные связи в регионе.

Руководитель проекта: Елена Асеева (Геленджик). Кураторы проекта: Елена Асеева (Геленджик), Паоло Мизерини (Геленджик), Юлия Назар (Москва), Светлана Дёмина (Москва).

В проекте будут принимать участие художники -резиденты галереи «Glubina» (Москва), а также авторы, неравнодушные к теме проекта, чьи работы будут соответствовать концепции. Выставка состоится в Москве в галерее «Glubina» в июне 2023 года. Выставку будет предварять открытая лекционная программа он-лайн по истории региона и современному искусству.

В проекте принимают участие следующие партнеры: Национальный музей Республики Адыгея, «Музей Басманного района» (Москва), Управление культуры, искусства и кинематографии города-курорта Геленджик, Геленджикский историко-краеведческий музей, городское общество «Адыгэ Хасэ» (Геленджик), филиал КУБГУ (Геленджик), факультет современного искусства Высшей школы «Среда обучения» (Москва).

Научные консультанты проекта: Нальмес Зауровна Шовгенова, заместитель директора Национальный музея Республики Адыгея (г. Майкоп) Мадина Андреевна Хакуашева, доктор филологических наук, ведущий научный сотрудник КБИГИ (г. Нальчик) Радзиет Хаджимусовна Ачмиз, руководитель ЛИТО “Орфей“, секретарь ГО “Адыгэ Хасэ” (г. Геленджик), Пшибоков Адам Исмаилович, руководитель ГО “Адыгэ Хасэ” (г. Геленджик), Тлюстен Борис Гисович, краевед, член ГО “Адыгэ Хасэ” (г. Геленджик), Тамилла Анатольевна Небиеридзе, старший научный сотрудник отдела фондов Геленджикского историко краеведческого музея, хранитель атласа Ф. Дюбуа де Монпере, Королева Ирина Андреевна, археолог, главный хранитель Геленджикского историко-краеведческого музея, Анна Николаевна Берникова, музеевед, директор “Музея Басманного района” (Москва), эксперт конкурса грантов Мэра Москвы — 2018 и Конкурса грантов в социальной сфере «Москва — добрый город 2019» и другие.

Подробнее о проекте: http://www.icl-international.ru/newsite/atlantida/

https://xn--80afcdbalict6afooklqi5o.xn--p1ai/public/application/item?id=2db270de-051d-4390-bdc4-ca06c0b8b6ba

 

ПРОЕКТ “МИФОХРАНИЛИЩЕ”: ПЕРЕОСМЫСЛЯЯ МИФОЛОГИЮ

“В ХХI веке главным стало понимание мифа как особого состояния сознания, миф впервые стал подвижным, нестабильным, живым, стремящимся освободиться от истории” (М. Элиаде).

Выставка  в галерее “На Каширке” предлагает зрителю путешествие по музею мифов, сконструированных или интерпретированных художниками и перформерами. Данная выставка объединяет студентов и выпускников мастерских Арсения Жиляева, Ивана Новикова, Алины Гуткиной Высшей школы “Среда обучения”, а также резидентов галереи «Глубина», «22»  и некоторых других художественных объединений,  которые каждый в своем измерении рассуждают о структуре мифа и эпохе, создавшей его. 

Авторы выставки «Мифохранилище» говорят о том, что все мифы мира произошли от какого-то первого мифа, пра-языка, первоисточника. Художники  решили каждый своими средствами поразмышлять об историях мифов и мифологий, углубившись в мифы античные, египетские, финно-угорские, славянские, советские и изобретенные самими художниками.

Алия Коваленко. "Василий ныряет в глубину". 2022

Алия Коваленко. “Василий ныряет в глубину” (Х., м., 2022)

Долгое время искусство существовало неотделимо от ритуального действия как объект культа, изображая мифических героев или целую модель мифического миропорядка, как, например, гробницы или храмы. В первобытное время искусство было растворено в жизненных практиках. Каждый человек являлся художником, танцором, певцом, воплощая коллективное мировоззрение. Позднее искусство существовало, как неотъемлемая часть религиозного обряда. С течением времени искусство преодолевает мифологическое наследие, постепенно обретая индивидуальность в лице художника. Современное искусство использует темы и мотивы мифов прошлого. Но теперь художник имея достаточную свободу сознания, по-своему интерпретирует историю и мифологию или даже создаёт собственную.

Елена Асеева. “Прометей” (Праксиноскоп, 2022)

Искусству всех эпох было свойственно обращение к мифологии – столетия мифологические и библейские сюжеты были одной из основных сюжетных линией для художников, которые оттачивали мастерство изображая религиозные или пасторальные сцены. Двадцатый век привнес совершенно другой оттенок в природу искусства и мифология на десятилетия несколько ушла из художественной программы, оставшись только базисом для художественного образования. В двадцатом веке художники пытались дистанцироваться от возможности мифов, от власти мифов вообще — «метарассказов», как называет их Ж.-Ф.  Лиотар, связывая мифологические сюжеты с тоталитаризмом. Но двадцать первый век с новым упорством и иной глубиной начинает обращаться к мифологическому во всех гранях: от создания собственных мифологий до переосмысления мифов разных народов через сложившуюся текущую ситуацию, подтверждая то, что в современном искусстве очень сильна потребность в обретении мифа, как языка объясняющего суть вещей и связывающего мир логический с миром мистическим.

Олеся Фрич. “Расклад на будущее” (Дерево, инсталляция, 2022)

Выставка «Мифохранилище» в галерее На Каширке (Москва) предлагает зрителю посетить передвижной Музей Мифологии, а именно самую ценную его часть — хранилище. На стенах и полках размещены предметы открытых мифологических фондов в соответствии с хронологией вымышленной шкалы времени: от VIXXII ВC  до XXXIV AD. Художники обращаются к древним мифам античности и Египта, к финно-угорским и славянским мифам, рассуждают о мифологии советской и представляют свои персональные мифы. Авторы ставят под сомнение признанную хронологию и связанные с ней теории (Юлия Назар), истинность античных мифов в их принятой литературной интерпретации (Светлана Шиланкова, Павел Глазатов, Елена Асеева, Мария Дизель), а также мифы недавнего времени и современности (Надежда Лопардина, Алексей Древа). Авторы обращаются к мифологии Египта (Александра Гордеева), мифам славянским (Олеся Фрич, Виктория Предыбайло), фино-угорским (Алия Коваленко), и некоторым спорным теориям в теософии (Катя Ус).

Катя Ус. “София” (Доска, пигменты, золото, 2022)

Экспозиция в галерее “На Каширке” (ОВЗ Москвы)

В МУЗЕЕ МИФОЛОГИИ РАЗРЕШАЕТСЯ:

⁃ открывать

⁃ разворачивать

⁃ листать

⁃ переставлять

⁃ трогать

 

Экспозиция в галерее “На Каширке” (ОВЗ Москвы)

 

КУРАТОРЫ ВЫСТАВКИ:  Елена Асеева, Юлия Назар, Мария Дизель, Екатерина Павлова.

 

Ива Мельникова. “Миф о Кицунэ” (Сталь, флок, 2022)

 

УЧАСТНИКИ ВЫСТАВКИ:

Алия Коваленко (Екатеринбург)

Мария Дизель (Москва)

Ambivalence (Москва)

Олеся Фрич (Екатеринбург)

Алексей Древа (Нью-Йорк)

Александра Гордеева (Южно-Сахалинск)

Павел Глазатов (Санкт-Петербург)

Ива Мельникова(Санкт-Петербург)

Ая Мельникова (Санкт-Петербург)

Надежда Лопардина (Санкт-Петербург)

Александр Кузнецов (Москва)

Елена Асеева (Геленджик)

Юлия Назар (Москва)

Светлана Дёмина (Москва)

Светлана Шиланкова (Москва)

Катя Уc (Москва)

Виктория Предыбайло (Москва)

Ксения Кудасова (Москва)


 

Экспозиция в галерее “На Каширке” (ОВЗ Москвы)

Continue reading “ПРОЕКТ “МИФОХРАНИЛИЩЕ”: ПЕРЕОСМЫСЛЯЯ МИФОЛОГИЮ”

ГАЛИНА ХАЙЛУ: ПЕРЕВЕРНУТАЯ МАТЕРИЯ

Творчество художника Галины Хайлу, с одной стороны, максимально незамысловатое, но когда начинаешь всматриваться, то невольно приходится разгадывать тонкие слои памяти, каких-то отпечатков прошлого, фрагментов, перед зрителем словно вырастает параллельный ему мир. Не зря художник своей основной идеей, выросшей из одноименной выставки, считает RE:OBSCURA, переосмысление камеры обскура, отсылающей к понятию перевернутого мира. Задача камеры обскура выявлять и укрупнять в разы мир, спрятанный в обыденности, она дает эффект иного, отраженного космоса, в который вглядеться в сегодняшней бегущей жизни практически невозможно. Как говорит сам художник, свойства камеры обскура сходны с тем, что автор пытается делать, фокусируя внимание как отблеск света, выявляя невидимое в обычном мире.

Автор работает акрилом на больших полотнах флизелина или черной нетканной материи, которую используют для укрывных целей агрономы, называемых, кому же по чистой «случайности» , геотекстиль. Данный материал выбран после многолетних экспериментов с разными поверхностями и техниками – автор даже использовала пакеты из-под сока, которые она разрезала и прикрепляла к холсту или флизелину серебристой стороной наружу. Материал выбран автором спонтанно, но именно эта случайность раскрывает многие скрытые мотивы художника. Эффект негатива, отражённости, переворачивания обыденной, окружающей реальности, приобретающей в этот момент переворачивания магические черты позволяет говорить о влиянии такого художника, как Марлен Дюма. Также в разные годы Галина вдохновлялась творчеством Ансельма Кифера, Френсиса Бэкона, определенное влияние на художника оказали художественные коммуны, а также авторы из Краснодара, в частности создатели центра современного искусства «Типография», группировка ЗИП. Современная философия в ее повышенном внимании к темным сторонам бытия, также словно имеет яркое воплощение в творчестве Галины Хайлу, как искусства, показывающего то, что не-на-свету, в тени (здесь можно привести в пример работы Тимати Мортона, в частности его «темную экологию» из «Стать экологичным»).

Художника интересуют детали повседневности, незаметная сиюминутная реальность. На работах автора мы наблюдаем фрагменты маленького уютного мира, построенного Галиной Хайлу и ее альтер-эго, соратником, другом, Сергеем Полупановым. Сергей является также героем многих произведений Галины Хайлу. Этот маленький частный мир трансформируется, перевернувшись в камере обскура, в огромные текстильные картины, граничащие между сказкой и безумием. Эффект негатива, своеобразная перевернутая отрешённость от действительности, останавливает зрителя, увлеченного эффектными деталями, канделябрами, подсвечниками, полосами разметки на дороге, лестничными пролетами, внося в серии работ необходимую отстранённость по Шкловскому.

Сама Галина вспоминает детский опыт, который наложил отпечаток на её творческую манеру. Художника в трехлетнем возрасте родители, которые работали в школе, во время выпускного взяли с собой. Маленькую девочку попросили проводить ученика школы домой, который вывел ее за ручку и, буквально, вбросил в темноту ночного стадиона. И художник помнит всю жизнь этот опыт исчезновения, из которого её извлекли заботливые бабушкины руки. Вот этот поиск реальности, ощутимых следов действительности, которые словно проявляются из темноты, стал ярким, узнаваемым почерком художника.

Объектом для художника становятся окружающие его вещи: дети, метро, улицы, перекрестки, люстры, мебель, игрушки. Перечисление героев работ Галины Хайлу могло бы стать своеобразной абсурдистской поэзией, ведь художник выхватывает фрагменты реальности, преобразует их в своеобразный негативный отпечаток и помещает в пространство искусства. Творчество Галины Хайлу, с одной стороны, глобально и монументально: работы большого формата, от 2-х метров, своей серийностью превращают выставочное пространство в тотальную инсталляцию. С другой стороны – очень наивно и трогательно, как и мир художника, детский и инфантильной, где художник часто смотрит на реальность глазами ребенка, снизу вверх. И именно детская реальность часто остается цветной среди монохромной действительности. Художник изображает детей погруженными в себя, изолированными от мира. Возможно, это то состояние, которое старается сохранить в себе и сам автор. В проекте «Parking» художник рассуждает о световой созидательной природе человека, путем осознания жизни, как парковки, в бесконечной дороге к Себе. В проекте «Если долго смотреть в темноту» автор словно приглашает зрителя пройтись по ночным пустынным залам музеев, невольно сразу возникает ассоциация с «Русским ковчегом» Андрея Сокурова.

 

Галина и Сергей совместно являют собой не только семейный дуэт, но и бесконечную творческую лабораторию. Встреча Галины и Сергея, который в тот момент занимался росписью храмов, вывела их жизнь в иное русло. Художники стали экспериментировать с материалом, красками, пространством. Как говорит Галина, «это был эксперимент над собой, начиная с самого первого дня знакомства. Мы открыли для себя 112 техник, что стало основой для дальнейшего развития».

В 2008 году Галина Хайлу стала лауреатом премии Кандинского, несколько лет Галина и Сергей жили в Москве, но непреодолимые обстоятельства вернули на родину, в Краснодар, где они работают по сей день.
Искусство Галины Хайлу несмотря на мрачность, обусловленную материалом, наполнено добротой, оно жизнеутверждающее, светлое, радостное, как огромный мир детства. В работах художника хочется раствориться и не выходить, у зрителя невольно возникает эффект детского праздника, то ли утренника, то ли театрального действа. И этот слой ассоциативной памяти, который способен пробудить автор, самое важное в ее творчестве, которое окутывает зрителя неповторимой атмосферой мрачной и доброй сказки.

Асеева Елена, кандидат искусствоведения 

_______

 

Об авторе:

Галина Хайлу родилась в 1958 году в городе Курганинске Краснодарского края. С отличием закончив и 8 класс, и детскую художественную школу, Галина поступила в Краснодарский архитектурно-строительный техникум. По окончании техникума Галина пошла по традиционному для многих советских художников пути: стала работать оформителем, параллельно занимаясь живописью. В 2000 году решила полностью посвятить себя живописи и выставочной деятельности. В 2008 году стала лауреатом Премии Кандинского. Принимала участие в многочисленных выставках и проектах в России и за рубежом. С 2008 г.- член ТСХР Работы находятся в фондах Краснодарского краевого музея изобразительного искусства им. Ф. А. Коваленко,в Филиале музея Востока г. Майкоп, в фондах ККВЗИИ, в частном музее современного искусства “ERARTA”, в частных коллекциях России, Австралии, Германии, Англии, США, Израиля.

«LA RIVA» ПАОЛО МИЗЕРИНИ

 

«LA RIVA» (берег, ит.)

В данном проекте фотограф обращается к теме, давно ставшей одной из основных в его творчестве – берег курортного места в межсезонье, расстояние между разными свойствами, временами, восприятиями. Для Паоло Мизерини это один из любимых мотивов: выставка «Римини» (2004), проект «Seaside» (2018) и теперь совместный проект с Вадимом Белоусовым «Берег», «La Riva» по-итальянски.

Как однажды заметил критик Даниэле Радини Тэдешки в фотографиях Паоло Мизерини можно увидеть влияние атмосферы Феллини. И если мы вспомним знаменитый фильм Федерико Феллини «Амаркорд», снятый режиссером в курортном Римини, тот тоже начинается с осенних сцен. Оказаться в межсезонье в курортном городе, видеть тишину и совершенно другой свет, наблюдать следы иногда заброшенности, иногда безмятежности, почти пустоты. Ведь только курортным городам знаком вкус опустевшего города, где есть только чайки и следы человека.

Фотографии Паоло минималиcтичны, они почти лишены эмоций. В этом проекте, сделанном в соавторстве художником и фотографом одновременно, основное внимание уделяется форме и воспоминаниям, ассоциациям, которые эта форма провоцирует. С одной стороны перед автором ставится формальная композиционная задача поиска баланса линий и пятен, с другой – попытка передать вкус и сосредоточенную аристократичность приморского города, лишенного летней суеты.  В проекте есть и минималистичная простота, и философское настроение.

Это уже второй совместный проект Паоло Мизерини и Вадима Белоусова. Первый назывался «Человек Внутренний» (Uomo Introspettivo), выставки которого прошли в Москве и Краснодаре. Второй проект тоже обращается к скрытым, почти еле уловимым чувствам, параллелям, попытке выразить внутренний свет морского берега. Даже более – свет берега как понятия и как образа, встроенного в наше сознание.

Открыть снова и снова знакомые всем символы, прогуляться по курортному пляжу в межсезонье, обратиться к воспоминаниям и образам детства призывают авторы этой выставки.

 

Паоло Мизерини родился в Риме в 1963 году. Работает в жанрах художественной фотографии, репортажа. Многие годы преподавал в школе фотографии «Officine Fotografiche» (Рим). Участник более 40 выставок, в том числе как куратор. Работы в собраниях краевого художественного музея им. Коваленко, новороссийского музея изобразительных искусств и в частных собраниях Италии.

 

Асеева Елена, кандидат искусствоведения

“БЕРЕГ” ВАДИМА БЕЛОУСОВА

 

В свое время известный американский художник Марк Ротко был повержен фресками из античных Помпеев, их локальностью и цветовым воздействием, и все его творчество после стало бесконечным опытом и попыткой добиться подобного эффекта. Аналитическую составляющую, вышедшую из опытов русского авангарда, как ни странно, подхватили за границей, и открытия Эль Лисицкого, Казимира Малевича были продолжены в направлении минимализма целой группой художников – от Пита Мондриана, Виктора Вазарелли в Европе до Барнета Ньюмана, Дональда Джада и Джеймса Таррела в Америке, сместивших акцент на усилении взаимодействия между зрителем, произведением и пространством. Минимализм как направление, активно представленный в Европе и Америке целой плеядой художников, получил совершенно незначительное развитие в России.  Именно имена художников-минималистов хотелось бы привести в качестве референсов, так как творчество многих из них оказало несомненное влияние на последний проект Вадима Белоусова.

Вадим Белоусов – художник, который очень вдумчиво и досконально исследует творческий процесс. Последние семь лет автор был глубоко погружен в штудии композиций древнерусской иконы, изучал геометрию, построение иконописных планов, пробовал словно войти в ту эпоху. Какая связь между древнерусской иконописью и американским минимализмом? Ответ на этот вопрос дает художник в своем последнем проекте, стараясь соединить композиционный перфекционизм иконы, где нет ни одного лишнего или случайного сантиметра цвета, лаконичность чистой цветовой плоскости, ничего не говорящих, кроме колористических пропорций, плоскостей, и детские воспоминания о море в идеально-построенном произведении.

“Берег” — это не просто пляж, или что-то, разграничивающее воду и сушу. Это символ, образ очень глубокий, почти религиозный, встреча мира земного и небесного, пересечение двух стихий. Это в интерпретации Вадима Белоусова – неземная тишина, где есть только индексы, значения образов, даже не сами образы. Это чувство нереальной тишины, покоя и проникновения в другое измерение пытается передать художник. «Песок», «Горизонт дня», «Розовое настроение», «Желто-фиолетовый песок», «Пасмурный день», «Синий ноктюрн» – названия произведений раскрывают замысел художника, который и прост, и сложен одновременно: показать настроение морского берега в отношениях пропорций и цвета.

В экспозиции также представлен раковина аммоидеи (аммонит), палеонтологическая находка из коллекции “Старого парка”. Раковины аммонитов были своеобразными мавзолеями, сохранившими остатки этих животных для наших современников. Раковина — это еще и самый древний образ золотого сечения, бесконечно повторяющейся спирали, которая воспроизводит гармонию Фибоначчи, соединяя архаичные времена и будущее.

Образ берега как водораздела реальностей и соединения времен, стихий очень тихо, гармонично и проникновенно звучит в этом проекте, и подчеркивает его тонкая синяя линия. Вадим Белоусов снова перешагивает над своими предыдущими темами и обращается к мотиву морского берега, который был очень активно представлен в его коллажах и работах с середины 90-х годов, но делает это как всегда виртуозно, вдумчиво и просто. Здесь снова мы видим мастерство художника, смело работающего с пространством и использующего воздух зала как еще один дополнительный холст или арт-объект.

О художнике:

Вадим Белоусов родился в 1948 году. Работы находятся в: Государственный Русский Музей, галерее «Русская галерея на Воздвиженке» (Москва), галерее «Якубская» (Прага), в музее им. Коваленко (Краснодар), Центре современного русского искусства (коллекция А. Глезера, США), культурном центре «Старый Парк» (Геленджик, Кабардинка), и в многочисленных частных коллекциях.

Выставка работает в Доме искусств культурный центр «Старый парк», Кабардинка.

 Асеева Елена, кандидат искусствоведения

 

“Будни распознавателя образов” Арсения Жиляева

Казимир Малевич добавочным элементом супрематизма считал вид на планету Земля если не из космоса, то из воздушного пространства, доступного самолетам. Сам Малевич не мог видеть планету с этой высоты, ведь тогда, в начале 20-го века, это было лишь  мечтой. Но он  проецирует свою точку видения  в другое измерение, и из этой позиции транслирует нам увиденное.

Арсений Жиляев в своем проекте становится на похожую позицию. В попытке продолжить линию, заложенную русским авангардом и прерванную по известным всем причинам, он противопоставляет историю искусства классическую, “конвенциональную”, состоящую из смен стилей, но тем не менее привязанную к  репрезентативности – схеме авангардной, которая была изначально попыткой изменения  самого человека.

Проект Арсения Жиляева похож на музыкальную  партитуру, рассматривать его в отдельности, работу за работой,  невозможно. В чем-то он напоминает театральные партитуры Соломона Некритина,   в нем,  как в музыкальном произведении, есть длинные паузы, есть многоголосие, есть вакуум.

Казимир Малевич в “Супрематизме” пишет: “Приветствую вас, художники, за вашу безъязыкость”, дополняет : “обезвесить все – цель музыки. Для живописца природа тоже масса материи цвета”, и заключает-  “Человек – это то, что должно быть преодолено”.  В произведении Арсения Жиляева мы видим четкую связь с наследием  русского авангарда в его стремлении в воздух, в иные измерения, прочь от оков действительности.

Проектирование музея – произведения, которое пытается восстановить основные составляющие “исчезнувшего”  по легенде художника искусства раскрывает  коды  нашего эстетического восприятия.  Залы, где есть базовые  алгоритмы искусства средневековья, классицизма. модернизма сменяются текстом-линией слов искусственного интеллекта  и позволяют почувствовать человеку, “венцу  природы”, животный страх.

 

Дионисий Ареопагит пишет, что мы “пользуемся доступными нам символами, а от них по мере сил устремляемся к простой и соединенной истине умственных созерцаний… после прекращаем умственную деятельность  и  достигаем сверхсущественного света, в котором все пределы всех разумов”.  В произведении “Будни распознавателя образов” Арсения Жиляева есть тот отрыв от реальности в некое другое мета-пространство, которого так не хватает сейчас в действительности, и ,в современном искусстве,  в частности. И это стремление связывает эту работу Арсения Жиляева  как с опытами первого русского авангарда, так и философией Николая Федорова, а через них со всей духовной традицией русского искусства, и даже больше : ведь палиндром SATOR AREPO TENET OPERA ROTAS впервые появляется в пределах ближневосточных церквей в эпоху раннего христианства.

Слово “образ”, присутствующий в названии проекта является тоже некоторым ключом, который старается расшифровать бортовой компьютер корабля Tenet, а вместе с ним и художник.  От микросхем до пространства света, которым наполнены залы выставки, в которых соединяется вся история образности . “Истинная религия одна – это культ всех отцов  как одного отца” (Н. Федоров).  Глубина, свет и музыкальность  –  вот основные контрапункты этого проекта, который развивается  вне времени  в одновременном  сочетании нескольких мелодических линий.

_____________________

Арсений Александрович Жиляев (род. 26 июня 1984, Воронеж) — российский художник, куратор, теоретик современного искусства. Родился 26 июня 1984 года в Воронеже. В 2006 году окончил факультет философии и психологии Воронежского государственного университета. С 2006 по 2007 год учился в Московском институте проблем современного искусства. В 2010 окончил Школу Изящных Искусств «Валанд» в городе Гетеборг, Швеция. Лауреат VI Ежегодной Всероссийской премии в области современного искусства «Инновация» 2010 в номинации «Новая генерация». Лауреат российской профессиональной премии в области современного искусства «Соратник» 2010 и 2012.